Arte y cultura
Ponemos a tu alcance nuestra propuesta artística. Descúbrela.
Exposiciones
Raimundo de Madrazo y Garreta
Salida del baile de máscaras, 1878
Colección particular
19.SEP.2025 – 18.ENE.2026, MAD
Raimundo de Madrazo
Tercer representante -tras su abuelo José y su padre Federico- de la saga más reputada de la pintura española del siglo XIX, Raimundo de Madrazo desarrolló toda su carrera artística entre París, donde llegó con 20 años, y Estados Unidos, donde realiza distintas tournées de retratos a partir de 1897 mientras se apagaba su papel en la escena artística francesa. El conjunto de su obra gravita en torno a la pintura de género y el retrato. En la primera destacó por el preciosismo de sus interiores y sus habilidades de gran colorista. Como retratista fue uno de los pintores preferidos de la alta sociedad parisina y norteamericana.
Organizada junto con el Museo Meadows de Dallas, esta exposición es la primera gran retrospectiva de quien sin duda fue uno de los pintores más cosmopolitas y de más refinada técnica de su época.
Edward Weston
Surf, Bodega, 1937
Center for Creative Photography, The University of Arizona
© Center for Creative Photography, Arizona Board of Regents
19.SEP.2025 – 18.ENE.2026, MAD
Edward Weston
La materia de las formas
Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) desempeñó un papel esencial en la transformación de la fotografía en un lenguaje artístico autónomo. Cofundador del Grupo f/64, Weston defendió una nueva estética basada en la precisión formal, la simplicidad y la intensidad poética de la imagen. Su obra, profundamente enraizada en el paisaje y la cultura visual estadounidense, refleja el tránsito del pictorialismo hacia la fotografía directa, de la que fue uno de sus principales impulsores. Las más de 200 fotografías que integran la exposición ofrecen un completo recorrido por toda su trayectoria, desde sus inicios pictorialistas hasta su consagración como uno de los grandes representantes de la fotografía directa.
Exposición organizada con el apoyo del Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona, Tucson.
Helen Levitt
New York, c.1940
© Film Documents LLC, cortesía Zander Galerie, Cologne
24.SEP.2025 – 1.FFEB.2026, BCN
Helen Levitt
Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar su Nueva York natal a finales de la década de 1930, con imágenes que reflejaban la vida en los barrios más pobres, y sobre todo los niños y sus juegos en las calles. Lo hizo con un infalible instinto para reflejar, más allá de las escenas infantiles, todo lo que la vida cotidiana contiene de emoción, enigma o humor. Su obra obtuvo pronto el reconocimiento que merecía y ya en 1943 el MOMA de Nueva York organizó su primera exposición individual. A lo largo de su carrera prestaría también gran atención al medio cinematográfico.
Artista socialmente comprometida, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse un camino profesional en la fotografía. La exposición (cerca de 200 fotografías organizadas en 9 secciones) plantea un completo recorrido por el conjunto de su trayectoria.
Abril Coudougnan
Sin título, proyecto Tous les mots maux sont inventés, 2024
Fotografía digital
© Abril Coudougnan
24.SEP.2025 – 1.FFEB.2026, BCN
KBr Flama’25
KBr Fundación MAPFRE presenta la quinta edición de su cita anual con el talento emergente de las nuevas generaciones de fotógrafos que inician su trayectoria profesional tras su formación en Barcelona. Este año la exposición reúne los trabajos de Bernat Erra (Barcelona, 2003), Irina Cervelló (Martorell, 2001), Abril Coudougnan (Perpinyà, 1999) y, Patrick Martin (Stockport, Inglaterra, 1996), seleccionados por un jurado integrado por Javier Martín, Arianna Rinaldo y María Santoyo. Todos ellos comparten una mirada crítica y sensible hacia la construcción de la memoria, ya sea íntima, colectiva o territorial.
Arte en digital
Colegios y familias
Colecciones
Nuestras exposiciones viajan
Felipe Romero Beltrán
Marco. Habitación de Rafa, 2021-2024
© Felipe Romero Beltrán
Felipe Romero Beltrán. Bravo
– 29
Carré d’Art Nimes (Nimes, Francia)
Frontera. Conflicto. Reflexión visual.
La práctica fotográfica de Felipe Romero Beltrán (Bogotá, 1992) se sitúa en los límites de la fotografía documental al utilizar elementos propios de este lenguaje —registro de lo cotidiano de forma directa, construcción de documentos sobre una realidad histórica definida, etc.— y ponerlos a dialogar con otros de carácter artístico, pictórico o performativo. El resultado son imágenes que van más allá de lo puramente fotográfico para abarcar todo el ámbito de la visualidad.
A lo largo de su carrera, Romero Beltrán se ha interesado siempre por territorios que son o han sido escenario de tensión, conflicto y reflexión visual. Un buen ejemplo de ello es su proyecto Bravo, que resultó ganador en 2023 de la II edición del KBr Photo Award, el premio con el que impulsamos proyectos inéditos a través de una dotación en metálico, la exposición del proyecto en nuestras dos salas de exposiciones (Barcelona y Madrid) y la publicación del correspondiente catálogo.
Localizado en el espacio en el que quienes aspiran a atravesar el río para entrar en los Estados Unidos aguardan el momento de hacerlo, Bravo es, en palabras del propio fotógrafo, un ensayo que registra cuerpos, objetos y arquitecturas de un lugar que precede, en dicha espera, la frontera.
José Guerrero
GFK #001, 2004
Cortesía de la Galería Alarcón Criado
© José Guerrero, VEGAP, Madrid, 2025
José Guerrero. A propósito del paisaje
– 25
Centro José Guerrero (Granada)
Intriga. Serialidad. Renovación.
José Guerrero (Granada, 1979) concibe el paisaje como una entidad activa y dinámica donde lo sociopolítico, lo cultural y el imaginario colectivo se entrelazan de manera intrigante.
Para Guerrero, fotografiar un territorio, un paisaje o un lugar implica interesarse por las relaciones de cercanía, las alteraciones y las tensiones que estos encierran, desechando así la concepción moderna del paisaje como algo meramente natural y ajeno a nosotros.
Su producción artística se caracteriza por una meticulosa organización en series, que construyen un mosaico fluido de significados. En algunas de ellas, Guerrero utiliza de manera intencionada ciertos convencionalismos del paisaje natural y arquitectónico heredados de la fotografía moderna, como los horizontes marcados, la teatralidad del cielo y las nubes o la saturación de colores. Este enfoque invita al espectador a experimentar una renovación de la mirada, más allá de la simple contemplación.
Francisco de Goya
Ya no hay tiempo, ca. 1810-1814 /1906
Colecciones Fundación MAPFRE
© Francisco de Goya. Desastres de la guerra
Francisco de Goya y Lucientes. Desastres de la guerra. Colecciones Fundación MAPFRE
– 11
The Grand Master’s Palace (La Valletta, Malta)
Reformismo. Reflexión. Testimonio.
Francisco de Goya y Lucientes nace en 1746 en Fuendetodos, Zaragoza. Allí estudia con José Luzan, junto al que entra en contacto con el arte del grabado. Su obra es fruto de una constante experiencia y reflexión, producto de su reformismo ilustrado, que se oponía al tradicionalismo fuertemente arraigado en la sociedad española. Frente a muchos de sus contemporáneos, Goya va a dejarnos un testimonio de su época profundamente lúcido y consciente.
En los meses posteriores a la invasión francesa y al inicio de la Guerra de la Independencia (1808 -1814), una contienda que enfrentó al pueblo español con las tropas francesas, el artista vivió sometido a los numerosos vaivenes que acompañaron la caída del Antiguo Régimen.
En 1810 inició la serie de aguafuertes “Los desastres de la guerra”, 80 láminas tituladas y numeradas, grabadas al aguafuerte con algunas aportaciones de punta seca y aguada y estampadas en tinta negra. Fueron publicadas por primera vez por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y su cuarta edición, que es la que forma parte de las Colecciones Fundación MAPFRE, fue realizada en 1906 en la Calcografía Nacional.
Graciela Iturbide
Autorretrato con los indios seris, desierto de Sonora, México, 1979
Colecciones Fundación MAPFRE
© Graciela Iturbide
Graciela Iturbide. Colecciones Fundación MAPFRE
– 12
International Center of Photography (ICP)
Rito. Naturaleza. Cultura.
La obra de Graciela Iturbide, una de las fotógrafas mexicanas más destacadas de la escena contemporánea internacional, es fundamental para comprender la evolución que ha tenido la fotografía en México y en el resto de América Latina.
A caballo entre lo documental y lo poético, su singular forma de mirar integra lo vivido y lo soñado en una compleja trama de referencias históricas, sociales y culturales. La fragilidad de las tradiciones ancestrales y su difícil subsistencia, la interacción entre naturaleza y cultura, la importancia del rito en la gestualidad cotidiana o la dimensión simbólica de paisajes y objetos encontrados al azar ocupan un lugar central en su fructífera trayectoria. Su obra se caracteriza por un continuo diálogo entre imágenes, tiempos y símbolos; en un despliegue poético donde el sueño, el ritual, la religión, el viaje y la comunidad de conjugan.
Célebre por sus retratos de los indios Seris, por su visión de las mujeres de Juchitán o por sus fotografías sobre pájaros, el itinerario visual de Graciela Iturbide ha recorrido, además de su México natal, países tan distintos como España, Estados Unidos, India, Italia y Madagascar.