Arte y cultura
Ponemos a tu alcance nuestra propuesta artística. Descúbrela.
Exposiciones
Richard Avedon
Roger Tims, Jim Duncan, Leonard Markley and Don Belak, coal miners, Reliance, Wyoming, August 29, 1979
© The Richard Avedon Foundation
06.JUN.2026 – 30.AGO.2026, MAD
Richard Avedon
In the American West, 1979-1984
Dedicado a la fotografía desde muy joven, Richard Avedon (Nueva York, 1923-San Antonio, Texas, 2004) destacó en el mundo de la moda, donde trabajó para Harper’s Bazaar, Vogue y otras revistas, mientras que en sus proyectos fotográficos abordó temas sociales y políticos, como el movimiento por los derechos civiles y la guerra de Vietnam.
In the American West es el resultado del encargo que recibió del Amon Carter Museum of American Art de Texas: entre 1979 y 1984 Avedon recorrió el oeste de Estados Unidos para fotografiar a sus habitantes. El resultado fue una representación del territorio y sus pobladores que se diferenciaba radicalmente de las imágenes tradicionales que idealizaban la leyenda del Oeste americano. La serie -uno de los grandes hitos de la carrera de Avedon- está considerada un referente en la historia del retrato fotográfico.
Alejandro Cartagena
Suburban Bus #73, de la serie Suburban Bus [Autobús suburbano], 2016
Cortesía del artista
© Alejandro Cartagena
06.JUN.2026 – 30.AGO.2026, MAD
Alejandro Cartagena
Ground Rules
A lo largo de su prolífica carrera, Alejandro Cartagena, nacido en República Dominicana (1977) y afincado en México, ha construido una obra que desafía el tradicional concepto del «momento decisivo» para apostar por la serialidad y la multiplicidad de perspectivas como ejes de su trabajo. Desde ese planteamiento, y siempre desde una mirada crítica y humanista, su obra aborda muchas de las complejas realidades mexicanas: la migración, la vivienda, la frontera con Estados Unidos o la transformación urbana, entre otras.
Lejos de ser fragmentaria, la fotografía de Cartagena plantea una visión coherente y plural sobre los retos contemporáneos e invita a contemplarlos desde múltiples perspectivas.
Minor White
Cape Ann, Massachusetts, de Sequence 1968, 24 diciembre 1966
The Minor White Archive, Princeton University Art Museum, donación de Minor White
© Trustees of Princeton University. Foto: Allen Chen
18.JUN.2026 – 06.SEP.2026, BCN
Minor White
Figura de enorme influencia en la fotografía estadounidense del siglo XX, Minor White (Minneapolis, 1908–Boston, 1976) desplegó su concepto de la fotografía desde prácticamente todos los ámbitos del medio, desde la creación y la docencia a la actividad editorial, museística y comercial. Fundador y editor de la revista Aperture y profesor en algunos de los centros de enseñanza más relevantes de la escena norteamericana, Minor White se sirvió de estos recursos para transmitir y compartir su ideario y alcanzar su objetivo de presentar la imagen fotográfica como espacio de autoconocimiento y transformación espiritual. Organizada con motivo del cincuentenario de su fallecimiento, esta exposición —la primera gran retrospectiva de su trabajo en Europa— ofrece una completa panorámica de su obra, con sus temas más representativos (la fotografía de naturaleza, el retrato y la fotografía de calle) y una especial atención a su trabajo con secuencias.
Joaquín Tusquets de Cabirol
Viaje a Francia, mayo de 1955
Archivo Fotográfico Joaquín Tusquets de Cabirol / Fundación Photographic Social Vision
© Archivo Fotográfico Joaquín Tusquets de Cabirol
18.JUN.2026 – 06.SEP.2026, BCN
Joaquín Tusquets de Cabirol
La forma elocuente
Joaquín Tusquets de Cabirol (Barcelona, 1904-1979) disfrutó en su acomodado entorno familiar de una educación sensible al arte y la cultura que sin duda contribuyó a educar su criterio fotográfico. Químico e industrial de profesión, encontró en la fotografía un medio para reflejar una mirada lúcida, estética y profunda de su entorno. Sus imágenes, que ofrecen una visión única de la Cataluña de posguerra, destacan por la evolución desde el pictorialismo hacia la experimentación formal y técnica, mientras que la extraordinaria calidad de sus copias se debe a su dominio de los procesos químicos de positivado.
La exposición, realizada por Fundación Mapfre en colaboración con la Fundación Photographic Social Vision, entidad que custodia y preserva el archivo del fotógrafo, se inscribe en la atención que la programación del KBr presta de forma regular a los fondos de fotografía conservados en entidades catalanas.
Arte en digital
Colegios y familias
Programa educativo con actividades presenciales y contenidos online con el que Fundación Mapfre quiere acercar la experiencia del arte y de la cultura al ámbito educativo y familiar.
Colecciones
Nuestras exposiciones viajan
Rafael Barradas
Zíngaras, 1917
Colecciones Fundación Mapfre
La mano con lápiz. Dibujos del sigo XX. Colecciones Fundación Mapfre
– 27
Museo San Telmo (San Sebastián, Guipuzkoa)
Modernidad. Heterogeneidad. Vanguardia.
En 1997, iniciamos una colección centrada en la obra sobre papel y el camino a la modernidad en el tránsito del siglo XIX al XX. Hoy en día, reúne más de 100 obras de autores españoles aún ligados a la tradición, como Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla o Francisco Pradilla y Ortiz, pero ya abiertos a los cambios del nuevo siglo. Muchos de ellos conocieron de primera mano fuera de España a figuras clave como Degas, Rodin o Schiele, también presentes en la colección. Destaca la figura de Pablo Picasso, cuya presencia en París actuó como puente entre las vanguardias europeas y el arte español.
Además de dibujos de Joaquim Sunyer, Enric Casanovas, Joaquín Torres García o Francis Picabia, la exposición presta especial atención al surrealismo, con figuras fundamentales como Dalí, Miró, Luis Fernández u Óscar Domínguez.
Tras la Guerra Civil, la vanguardia dio paso a un arte melancólico y realista, como las acuarelas de Arturo Souto. Y surgen nuevas investigaciones que conducen al informalismo, representado en las obras finales de Tàpies y Chillida, cerrando una visión coherente y sensible de la historia del arte del siglo XX sobre papel.
Sakiko Nomura
Moonlit Night 015, 2023
© Sakiko Nomura courtesy of Akio Nagasawa Gallery
Sakiko Nomura
– 11
Museo de Bellas Artes de Castellón (Castellón)
Deseo. Ternura. Intuición.
La década de los años noventa en Japón fueron tiempos de internacionalización y de cambio, también en el ámbito del arte y la fotografía. En esos años, la sociedad japonesa ejercía una enorme discriminación hacia la mujer. Fue en este contexto donde surgieron nuevas artistas cuya obra fue denominada, a menudo despectivamente, como «fotografía de chicas». Una de ellas era Sakiko Nomura (Shimonoseki, prefectura de Yamaguchi, 1967).
Los protagonistas de Nomura son jóvenes y atractivos. Muestran el poder y la tensión del deseo erótico, pero, también, una gran ternura. Sus desnudos, realizados casi siempre en blanco y negro, en atmósferas nocturnas, misteriosas y llenas de sombras, con grano visible o desenfocadas, se alternan con otras imágenes de animales, naturalezas muertas, especialmente flores, vistas de ciudades, interiores de habitaciones de hotel, fenómenos atmosféricos, luces y reflejos en movimiento. Sus fotografías remiten a una fecha, a acontecimientos o personas concretas y, en general, son escenas que el espectador puede intuir, cargadas de sentidos alegóricos como lo transitorio de las cosas, la fugacidad de los instantes y, en definitiva, el transcurrir de la vida.
Paz Errázuriz
Ceguera I, 2003
Colecciones Fundación Mapfre © Paz Errázuriz
Paz Errázuriz. Colecciones Fundación Mapfre
– 25
Museo del Patrimonio Municipal (Málaga)
Autodidacta. Respeto. Resistencia.
La carrera de Paz Errázuriz (Santiago de Chile, 1944) se ha desarrollado casi siempre en Chile, a cuyo contexto político y sociológico remite continuamente su obra. Sus imágenes, fuertemente comprometidas, quieren dar voz a quienes no suelen ser escuchados, imágenes de la marginación que presentan a sus personajes desde la confianza, el respeto y la solidaridad.
De formación autodidacta, en 1981, Errázuriz fue cofundadora de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI). Movida por su interés en explorar la realidad de aquellos que se encontraban al margen de la sociedad, la artista se lanzó, prácticamente sin ningún referente, a fotografiar niños, ancianos, hombres y mujeres recluidos en psiquiátricos, transexuales, prostitutas, individuos que dormían desprotegidos en la calle y ya más recientemente, nativos americanos. Errázuriz se adentra en los rincones más incómodos de la cotidianidad chilena, presentando a aquellos, que, desde el margen, marcan, aún sin un deseo explícito de crítica, distintas formas de resistencia ante las normas impuestas.
Con el paso del tiempo este interés se fue transformando en convivencia, confianza y respeto para con sus retratados.
Helen Levitt
New York, ca. 1940
© Film Documents LLC, courtesy Galerie Thomas Zander, Cologne
Helen Levitt
– 04
Kunsthall Rotterdam (Róterdam, Holanda)
Ambigüedad. Emoción. Conexión.
Helen Levitt (Nueva York, 1913-2009) fue una de las primeras mujeres en abrirse camino en el mundo de la fotografía, en particular, en la fotografía de calle. Aunque prefería no hablar sobre sus imágenes, sus fotografías logran conectar con el espectador gracias a las emociones universales que transmiten.
Su obra, marcada por la ambigüedad y la emoción contenida, ha sido reconocida por su capacidad para capturar momentos fugaces de conexión humana en entornos urbanos complejos.
En 1934 compró su primera cámara y, poco después, se unió a la New York Film and Photo League, un colectivo comprometido con el cambio social a través de la imagen. Allí conoció a Henri Cartier-Bresson, cuya influencia fue decisiva para que Levitt se dedicase a la fotografía de forma independiente.
Entre 1938 y 1942, capturó muchas de las imágenes que la consagrarían como una de las grandes fotógrafas del siglo XX. Recorrió barrios como Spanish Harlem, el Lower East Side o Brooklyn documentando la vida cotidiana en las calles, especialmente la de los niños, con una mirada sensible y sin artificios.