Arte y cultura
Ponemos a tu alcance nuestra propuesta artística. Descúbrela.
Exposiciones
Anders Zorn
Medianoche, 1891
© Zornmuseet, Mora
19.FEB.2026 – 17.MAY.2026, MAD
Anders Zorn
Recorrer el mundo, recordar la tierra
Procedente de un humilde entorno rural, el sueco Anders Zorn (1860-1920) llegó a alcanzar fama internacional como retratista de reyes, políticos y otras celebridades de su tiempo.
Esta exposición presenta un completo recorrido por el conjunto de su obra, una dilatada y rica trayectoria en la que a su faceta de retratista se suma su interés por representar tanto los rasgos de la modernidad como escenas características de la vida tradicional de su región natal.
Helen Levitt
New York, c. 1940
© Film Documents LLC, cortesía Zander Galerie, Colonia
19.FEB.2026 – 17.MAY.2026, MAD
Helen Levitt
Helen Levitt (1913-2009) comenzó a fotografiar su Nueva York natal a finales de la década de 1930, con imágenes que reflejaban la vida en los barrios más pobres y, sobre todo, los niños y sus juegos en las calles. Lo hizo con un especial instinto para reflejar la emoción, el enigma y el humor contenidos en esas escenas infantiles.
Su obra obtuvo pronto el reconocimiento que merecía, y en 1943 el MoMA de Nueva York organizó su primera exposición individual. Muy comprometida con las causas sociales, Levitt fue una de las primeras mujeres en abrirse paso profesionalmente en la fotografía. Las cerca de 200 fotografías que presenta la exposición proponen un completo recorrido por el conjunto de su trayectoria.
Walker Evans
Subway Passengers, New York, 1938
[Pasajeras del metro, Nueva York]
Copia de época de plata en gelatina
Colección particular, San Francisco
© Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art
26.FEB.2026 – 24.MAY.2026, BCN
Walker Evans
Now and Then
En 2009, Fundación Mapfre inauguró su programa expositivo de fotografía con una gran retrospectiva dedicada a Walker Evans (1903-1975). Dieciséis años después, Walker Evans. Now and Then presenta una nueva lectura de la obra de uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, figura clave en la definición de la mirada documental moderna. La muestra reúne un conjunto amplio de imágenes que permiten apreciar la vigencia de su sensibilidad: retratos de personas anónimas, escenas callejeras, estudios arquitectónicos de gran sobriedad y fotografías de signos urbanos que revelan la cultura visual de su época. El recorrido propone una actualización de la manera en que Evans observó y comprendió su entorno, articulando una visión directa, reflexiva y lírica que continúa inspirando a generaciones de artistas y condicionando la forma en que entendemos la fotografía documental.
Carlos Pérez Siquier
Marbella, 1974
Colecciones Fundación Mapfre
© Pérez Siquier, VEGAP, Barcelona, 2026
26.FEB.2026 – 24.MAY.2026, BCN
Pérez Siquier
Colecciones Fundación Mapfre
Centrada en una figura esencial de la modernización de la fotografía española, esta exposición propone, a partir de una selección significativa de obras de las Colecciones Fundación Mapfre, un recorrido por las series que marcaron la trayectoria de Carlos Pérez Siquier (1930-2021): desde la contundencia documental de La Chanca, pasando por el impulso renovador de AFAL, hasta su audaz salto al color con Informalismos, La playa y Trampas para incautos, así como los proyectos tardíos Encuentros y La Briseña, donde su mirada adquiere un tono más introspectivo. El conjunto permite redescubrir uno de los fotógrafos más influyentes en la transformación visual de la España del siglo XX, un creador que supo observar su entorno con una sensibilidad libre, crítica y profundamente poética.
Arte en digital
Colegios y familias
Programa educativo con actividades presenciales y contenidos online con el que Fundación Mapfre quiere acercar la experiencia del arte y de la cultura al ámbito educativo y familiar.
Colecciones
Nuestras exposiciones viajan
Sakiko Nomura
Naked time 053, 1997
©Sakiko Nomura courtesy of Akio Nagasawa Gallery
Sakiko Nomura
– 31
Centro Cultural Antiguo Instituto Jovellanos (Gijón, Asturias)
Noche. Desnudez. Desenfoque.
La fotógrafa japonesa Sakiko Nomura (1967) trabajó durante veinte años como ayudante de Nobuyoshi Araki (Tokio, 1940), uno de los fotógrafos nipones más reconocidos. A partir de 1993, la artista comenzó a exponer con frecuencia en Japón y en otros países asiáticos, así como en Europa y México. Junto a sus imágenes, los fotolibros componen una gran parte de su producción, de los que ha publicado treinta y cuatro hasta la fecha.
El primer libro de Nomura, titulado Naked Room (La habitación desnuda), publicado en 1994, presenta en la cubierta el perfil del busto de un hombre joven desnudo, desenfocado. Estas son algunas de las características que a partir de ese momento definirán su obra. Al centrarse en el cuerpo masculino, Nomura subvierte las reglas de la fotografía de desnudo, por lo general, creada por hombres, y desafía los estereotipos de toda una tradición con gran peso tanto en Occidente como en Oriente y fundamentalmente en Japón.
Atraída por la oscuridad como reverso de la luz, en las fotografías de Nomura son protagonistas la noche y las sombras, la luz tenue, lo desenfocado como si la artista pretendiera encontrar una salida, o la luz al final del viaje.
Nicholas Nixon
Bebe, Cambridge, 1980
Colecciones Fundación Mapfre
© Nicholas Nixon
Nicholas Nixon. Colecciones Fundación Mapfre
– 28
Sala Rekalde (Bilbao, Vizcaya)
Retrato. Sencillez. Emoción.
Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947) ocupa un lugar destacado en la historia de la fotografía de las últimas décadas. Centrado sobre todo en el retrato, y con un claro interés por las posibilidades descriptivas de la cámara, su obra revela una tensión entre lo visible, el contenido, y lo invisible, los pensamientos e inquietudes que afloran en sus imágenes.
Su trabajo en series explora mundos singulares con una notable preocupación social. La lentitud, los largos periodos, la ausencia de elementos dramáticos definen su obra. Nixon emplea una técnica sencilla, casi obsoleta, pero impecable, con el uso de cámaras de gran formato que imponen la cercanía y la cooperación de los retratados para mostrar los mundos próximos en los que fija su atención: los ancianos, los enfermos, la intimidad de las parejas o la familia.
En sus fotografías encontramos un hilo conductor claro y una extraordinaria capacidad para reinventarse que nos lleva desde las frías vistas de Nueva York o Boston de los años setenta hasta la conocidísima serie de Las hermanas Brown, una de las reflexiones más certeras sobre el paso del tiempo en la historia de la fotografía.
Raimundo de Madrazo
Muchachas en la ventana, c. 1875
The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Catharine Lorillard Wolfe Collection, legado de Catharine Lorillard Wolfe, 1887, inv. 87.15.131.
Crédito fotográfico: © The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florence
Raimundo de Madrazo
– 21
Elegancia. Tradición. Destreza.
La obra de Raimundo de Madrazo (Roma, 1841 – Versalles, 1920), considerada en su época un símbolo de elegancia, emulación del pasado y respeto por la tradición, lo situó como figura fundamental en la escena artística y en los círculos sociales más distinguidos e internacionales de finales del siglo xix y principios del xx. No obstante, con el paso del tiempo y el advenimiento de las nuevas corrientes artísticas, su producción quedó relegada en la posterior historiografía artística.
Junto con Mariano Fortuny y Eduardo Zamacois, Raimundo de Madrazo fue uno de los pintores que se especializaron en la realización de obras de pequeño formato, muy del gusto del gran público de la época. El arte pasó de ser una cuestión privada de la monarquía y la aristocracia a constituir un asunto «para todos».
La obra de Raimundo de Madrazo se encuadra dentro de la pintura del juste milieu, realizada entre 1830 y 1848, que representaba el gusto mayoritario, por lo que gozó de gran éxito comercial y de crítica durante la segunda mitad del siglo xix. Sin embargo, su decadencia fue tan fulgurante como había sido su ascenso y solo recientemente ha comenzado a gozar del reconocimiento que merece.
Graciela Iturbide
Mujer ángel, desierto de Sonora, México. 1979
Colecciones Fundación Mapfre
© Graciela Iturbide
Graciela Iturbide. Colecciones Fundación Mapfre
– 07
San Diego Museum of Art (San Diego, USA)
Mística. Social. Poética.
Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942) es una de las fotógrafas mexicanas más destacadas de la escena contemporánea internacional. Su obra absolutamente única, es fundamental para comprender la evolución que ha tenido la fotografía en México y en el resto de América Latina.
A caballo entre lo documental y lo poético, su singular forma de mirar integra lo vivido y lo soñado en una compleja trama de referencias históricas, sociales y culturales. Su obra se caracteriza por un continuo diálogo entre imágenes, tiempos y símbolos; en un despliegue poético donde el sueño, el ritual, la religión, el viaje y la comunidad de conjugan.
Célebre por sus retratos de los indios Seris, por su visión de las mujeres de Juchitán o por su fascinante ensayo sobre los pájaros que lleva años fotografiando, el itinerario visual de Graciela Iturbide ha recorrido, además de su México natal, países tan distintos como España, Estados Unidos, India, Italia y Madagascar.
Su talento para enmarcar lo que llama su atención puede traer consigo una visión casi mística de lo cotidiano; en otras, nos lleva al centro mismo de cuestiones cruciales de nuestra sociedad.