Nuestras Exposiciones Viajan

Queremos llevar el arte a cualquier punto del globo. Y esperamos llegar cerca de ti.

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Nuestras exposiciones de fotografía, dibujo, pintura, o escultura no sólo se pueden disfrutar en las salas de Madrid o Barcelona. Una vez las hemos presentado en España, nuestro deseo es compartirlas y viajar con ellas. ¡Queremos llegar a todo el mundo!

Así llegó la retrospectiva dedicada a Walker Evans a Sao Paulo, Stephen Shore a Berlín, Vanessa Winship a Las Palmas de Gran Canaria, la selección de dibujos de nuestra colección La mano con Lápiz a El salvador y Del Divisionismo al Futurismo al Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, en Italia.

Una parte de nuestra programación viaja a museos e instituciones culturales en Europa,  Norteamérica y Latinoamérica. Queremos llevar el arte a cualquier punto del globo. Y esperamos llegar cerca de ti.

57 exposiciones

Judith Joy Ross

Judith Joy Ross
Sin título, Eurana Park, Weatherly, Pensilvania, 1982
© Judith Joy Ross, courtesy Galerie Thomas Zander, Cologne

Judith Joy Ross

Fotomuseum Den Haag, La Haya

Impulso personal. Retrato. Búsqueda de respuestas.

La fotógrafa estadounidense Judith Joy Ross tardó algo de tiempo en entender que la fotografía le ayudaba a hacer más comprensible el mundo en el que vivía. A partir de ese momento, no dejó de utilizar este medio para tratar de responder a preguntas de carácter existencial.

Desde la década de 1980, Judith Joy Ross ha centrado su trabajo principalmente en el género del retrato. Sus imágenes tienen la capacidad de aunar el pasado, el presente y el futuro de los individuos que posan ante su cámara. No es una retratista de estudio, tampoco sale a la calle a capturar a un sujeto determinado; más bien trabaja por temas, a los que denomina «ocasiones» y en cada imagen que realiza se establece un tipo de reconocimiento entre ella y el retratado, aunque esta identificación dure sólo un instante, el tiempo que tarda en tomar la fotografía.

Lee Friedlander

Lee Friedlander
New York City, 1963
© Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco y Luhring Augustine, Nueva York

Lee Friedlander

Antiguo Instituto Jovellanos, Gijón

Documentalista. Social. Irónico.

Lee Friedlander es fotógrafo casi desde su adolescencia y cuenta con una amplia producción que ha ido desarrollando a lo largo de su dilatada carrera. En sus imágenes principalmente registró lo que el mismo denominó, en los años sesenta, el “paisaje social americano”.

Esta muestra desvela a un artista muy prolífico, curioso y apasionado también de la música y los libros, y que actualmente sigue en activo. En su obra reúne retratos, autorretratos, fotografías familiares, de naturaleza o paisaje urbano con las que frecuentemente forma series, que reúne por asociaciones temáticas y estilísticas desarrolladas a lo largo de varios años.

Jorge Ribalta

Jorge Ribalta
CCIB, plaza de Willy Brandt 11-14, 15 de junio de 2011
De la serie «Futurismo»
© Jorge Ribalta, VEGAP, 2021

Jorge Ribalta

Museo de la Universidad de Navarra

Documentalista. Ilusionista. Crítico.

Jorge Ribalta es comisario, crítico de arte y fotógrafo, actividades que ha compaginado desde el inicio de su trayectoria en los años ochenta. En 2005 su trabajo experimenta un cambio radical que lo divide en dos períodos opuestos, al menos en su concepción de base. Durante el primero de ellos, su obra se focaliza en explorar poéticamente el naturalismo construido de la fotografía, mientras que en el segundo reorienta sus proyectos hacia una reinvención del documental.

Las imágenes de Ribalta ‒realizadas principalmente en blanco y negro con película analógica‒ son fruto de una observación rigurosa y matizada. Con su trabajo, el artista hace un recorrido por los paisajes en proceso de cambio del capitalismo tardío de nuestra época.

Esta muestra recoge el paso desde una fotografía ilusionista de escenificaciones iniciada en 1987 hasta su llegada a la fotografía documental, que hoy en día continúa practicando.

Esta exposición ha sido coproducida por Fundación MAPFRE y el Museo Universidad de Navarra.

Carlos Pérez Siquier

Carlos Pérez Siquier
Marbella, 1974
© Pérez Siquier, VEGAP, Madrid, 2022

Carlos Pérez Siquier

FFF Frankfurt, Alemania

Sentido del humor. Blanco y negro. Color.

Una de las características más señaladas del trabajo de Pérez Siquier, una figura fundamental en la fotografía española, es la de haber mantenido, desde el comienzo de su trayectoria en la década de 1950, su condición de artista periférico, pues vivió toda su vida en su Almería natal. Desde allí, Pérez Siquier creó, a lo largo de más de sesenta años, un corpus fotográfico que se adentra de manera tangencial y, al tiempo, de modo profundo y mordaz en los debates de la época. Por sus series discurren la periferia social, las alteraciones visuales surgidas del desarrollismo franquista o el choque cultural producido por la llegada masiva del turismo foráneo a España y la penetración de un modo distinto de mirar.

Esta muestra, con la que queremos impulsar el reconocimiento internacional de una figura que fue merecedora del Premio Nacional de Fotografía en 2003, recorre sus series más señaladas. La exposición Pérez Siquier es la contribución de la FFF al programa Invitado de Honor de España en la Feria del Libro de Frankfurt de este año y está coorganizada por Fundación MAPFRE y Acción Cultural Española (AC/E) en colaboración con FFF.

Lee Friedlander

Lee Friedlander
New York City, 1963
© Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco y Luhring Augustine, Nueva York

Lee Friedlander

DA2 Salamanca

Cotidianidad. Crítica. Paisaje social.

Lee Friedlander es uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo. Reconstruir su heterogénea obra supone sumergirnos en un mundo cargado de elementos cotidianos y reconocibles que, en una observación más detenida, adquieren un significado distinto, más completo.

Considerado uno de los artistas fundamentales del siglo XX y tras más de sesenta años fotografiando a diario, continúa en la actualidad renovando su lenguaje. En esa búsqueda de metáforas visuales de difícil comprensión, pese a su aparente cotidianidad, su mirada crítica, ha reflejado, aun con unos propósitos estrictamente formales, la enormidad y el caos de la sociedad americana.

La exposición propone un recorrido por su extensa obra, un trabajo que casi siempre agrupa en series, conjuntos de fotografías desarrollados a lo largo de varios años. Entre las obras expuestas se incluyen fotografías pertenecientes a las Colecciones Fundación MAPFRE.

Nicholas Nixon. The Brown Sisters

Bebe, Savignac de Miremont, 2011
Copia en gelatina de plata, contacto
Colecciones Fundación MAPFRE.
© Nicholas Nixon

Nicholas Nixon. The Brown Sisters

House of Photography, Hungría

Intimidad. El paso del tiempo. Vulnerabilidad.

Cuando en el año 1974 Nicholas Nixon tomó una fotografía de su mujer Bebe y sus cuñadas Mimi, Laurie y Heather, no sabía que estaba dando inicio a la serie hoy conocida como The Brown Sisters, una de las investigaciones sobre el retrato y el tiempo más convincentes de la fotografía contemporánea. Hoy, este work in progress que se amplía cada año con una nueva imagen, está compuesto por 45 imágenes realizadas en gelatina de plata.

De la serie emana un aire familiar que nos retrotrae a momentos y emociones pasadas. Su fuerza reside en la reiteración (las cuatro mujeres aparecen retratadas siempre en el mismo orden, mirando al objetivo) y en el cambio de ritmo dentro de esa repetición, que se sucede año tras año desde 1975. Cada una de las imágenes toma cuerpo y sentido en relación con las demás y, en conjunto, contempladas como serie, se convierten en instantes de equilibrio dentro de un ritmo incesante de transformación.

Nicholas Nixon (Detroit, Míchigan, 1947) ocupa un lugar destacado y singular en la historia de la fotografía de las últimas décadas, compaginando su actividad personal como fotógrafo con la de profesor de esta disciplina en el Massachusetts College of Art de Boston hasta 2017. Su obra, realizada con una técnica muy depurada y una cuidada composición, nos adentra en la realidad cotidiana de los personajes que retrata. Su cercanía y humanidad consiguen que el espectador participe y se sienta identificado con las emociones que subyacen en sus imágenes.

Judith Joy Ross

Judith Joy Ross
Sin título, Eurana Park, Weatherly, Pensilvania, 1982
© Judith Joy Ross, courtesy Galerie Thomas Zander, Cologne

Judith Joy Ross

– 18

Le Bal, París

Comprensión. Impulso personal. Captura de lo corriente.

Judith Joy Ross fotografió personas como un modo de entender el mundo emocional de aquellos que la rodeaban. Hoy, está considerada como una de las artistas más influyentes del retrato, género a través del cual es capaz de capturar el presente, el pasado y el futuro de los individuos que se topan con su cámara.

En sus retratos suelen enmarcarse en el contexto de un tema previamente escogido: Eurana Park, los visitantes del Monumento a la Guerra de Vietnam, los miembros del congreso durante el escándalo Irán-Contra (Irangate), los niños de las escuelas de Hazleton y lugares concretos como Easton, en Pensilvania, donde nació, se crio y donde aún hoy vive.

Bill Brandt

Bill Brandt
Río Cuckmere, 1963
Colección privada. Cortesía del Bill Brandt Archive y de la Edwynn Houk Gallery
© Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd

Bill Brandt

– 18

FOAM, Ámsterdam

Surrealismo. Retrato. Lo siniestro.

La concepción de Bill Brandt del lenguaje fotográfico como un poderoso medio de contemplación y comprensión de la realidad, pero siempre desde una primacía de las consideraciones estéticas sobre las documentales, le convierte en uno de los fundadores de la fotografía moderna.

Su obra expresa una permanente atracción por lo extraño, por aquello que causa tanta atracción como extrañeza y provoca desasosiego. Lo unheimlich, que suele traducirse como «lo extraño», «lo siniestro», «aquello que produce inquietud», es uno de los rasgos característicos que encontramos a lo largo de toda su trayectoria.

Casi todas sus imágenes, tanto las de carácter más social de antes de la guerra como las de su posterior etapa más «artística», mantienen una fuerte carga poética y ese halo de extrañeza y de misterio tan característico en el que, al igual que en su vida, se mezclan siempre realidad y ficción.

Francisco de Goya y Lucientes. Los desastres de la guerra

Francisco de Goya y Lucientes
Qué valor!
Aguafuerte, aguatinta, punta seca, buril y bruñidor, 158 x 209 mm
Colecciones Fundación MAPFRE

Francisco de Goya y Lucientes. Los desastres de la guerra

– 03

Museo de Bellas Artes de Castellón

Lucidez. Movimiento. Desolación.

La violencia de la que Goya fue testigo durante la Guerra de la Independencia (1808-1814) le impulsó a realizar dibujos, bocetos y estampas, a través de los cuales expresar su dolor y la angustia ante los acontecimientos de los que fue a la vez testigo y víctima.

La serie los Desastres de la Guerra se entiende como una reflexión sobre las consecuencias de los acontecimientos durante el absolutismo fernandino.

La mirada de Goya es la de la lucidez, pero también la de la crueldad, la miseria, el hambre, la tortura y la muerte.

La exposición muestra 9 estampas de las ochenta que conforman la cuarta edición de esta serie de grabados de Francisco de Goya y Lucientes, Los Desastres de la Guerra, fueron adquiridas en 2013 por Fundación MAPFRE.