Nuestras Exposiciones Viajan

Queremos llevar el arte a cualquier punto del globo. Y esperamos llegar cerca de ti.

Inicio > Arte y Cultura > Nuestras Exposiciones Viajan

Nuestras exposiciones de fotografía, dibujo, pintura, o escultura no sólo se pueden disfrutar en las salas de Madrid o Barcelona. Una vez las hemos presentado en España, nuestro deseo es compartirlas y viajar con ellas. ¡Queremos llegar a todo el mundo!

Así llegó la retrospectiva dedicada a Walker Evans a Sao Paulo, Stephen Shore a Berlín, Vanessa Winship a Las Palmas de Gran Canaria, la selección de dibujos de nuestra colección La mano con Lápiz a El salvador y Del Divisionismo al Futurismo al Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, en Italia.

Una parte de nuestra programación viaja a museos e instituciones culturales en Europa,  Norteamérica y Latinoamérica. Queremos llevar el arte a cualquier punto del globo. Y esperamos llegar cerca de ti.

44 exposiciones

Graciela Iturbide

Graciela Iturbide
¿Ojos para volar?, Coyoacán, Ciudad de México. 1991
Colecciones Fundación MAPFRE
© Graciela Iturbide

Graciela Iturbide

Fundación Barrié, A Coruña

Conocimiento. Poética. Surrealismo.

Para Graciela Iturbide fotografiar es ante todo un pretexto para conocer. Su obra es un proceso de continua exploración vital que, a lo largo de cuatro décadas, ha tenido como protagonistas al sueño, el ritual, la religión y el viaje.

«Aunque reneguemos de nuestra educación, cargamos con ella, va con nosotros» comenta cuando se le pregunta por su interés por los símbolos y rituales. Y es que la fotógrafa —hoy agnóstica practicante— se formó en un contexto católico y mexicano de origen burgués, donde el símbolo y el rito formaban parte del lenguaje.

Moviéndose entre lo documental y lo poético, su singular forma de mirar aúna la vida y el sueño. La naturaleza y la cultura, las tradiciones ancestrales, el rito incorporado a lo cotidiano y la simbología de cualquier objeto, ocupan un lugar central en su obra.

En Iturbide cada imagen nos lleva a recordar lo esencial: la vida, la muerte y el placer. Lo que hace a los humanos, humanos, y al mundo, mundo.

Nicholas Nixon

Bebe, Savignac de Miremont, 2011
Copia en gelatina de plata, contacto
Colecciones Fundación MAPFRE.
© Nicholas Nixon

Nicholas Nixon

C/O Berlín, Berlín

Libertad. Cercanía. Intensidad.

Centrado sobre todo en el retrato, y con una gran capacidad para exprimir las posibilidades de su cámara, Nicholas Nixon nos propone un mundo a través de su obra que abarca desde las primeras vistas de ciudades de los años 70, hasta la reconocida serie de Las hermanas Brown. Ancianos, enfermos, la intimidad de las parejas o la familia son algunos de los temas que han cautivado al artista a lo largo de su carrera.

La lentitud y la ausencia de elementos dramáticos definen una obra que se extiende a lo largo de cinco décadas. El fotógrafo estadounidense emplea una técnica sencilla pero impecable, con el uso de una cámara de gran formato que impone la cercanía y la cooperación de los retratados.

Nixon se gana la confianza de las gentes y logra que muestren una naturalidad que hace que sus imágenes sean tan reales y no pierdan su frescura a pesar de ser un alarde de composición. Nixon reconoce, se adelanta y captura lo que sin su encuadre no existiría jamás.

Rafael de Penagos. Retrato de la mujer moderna

Rafael de Penagos
Sin Título, 1923
Gouache sobre Lienzo
Colecciones Fundación MAPFRE

Rafael de Penagos. Retrato de la mujer moderna

Asociación Cultural Torres y Tapia

Cosmopolita. Moderno. Art Déco

Rafael de Penagos está considerado como el artista que introdujo la ilustración Art Déco en España. Este ilustrador jugó un papel fundamental en la modernización de la ilustración española de principios del siglo XX al ser el precursor de un nuevo modelo de figura femenina, moderna y estilizada. La llamada «mujer Penagos»— está marcada por la extrema modernidad y sofisticación en su forma de vestir y en sus modos y maneras de comportarse. Se trata de nueva mujer que lleva el pelo corto, fuma y mantiene una gran vida social e intelectual.

La función de los dibujos de Penagos era mostrar a la sociedad española del momento los nuevos aires europeos. Y era el momento idóneo para hacerlo, con el aperturismo de los años 20 se imponía la renovación estética y se aceptaba con admiración cualquier influencia de las principales capitales europeas.

Desde las páginas de revistas como La Esfera, Blanco y Negro, Nuevo Mundo o ABC, en los carteles realizados para el Círculo de Bellas Artes y las empresas Floralia o Gal, el artista nos cuenta esos «felices años veinte» mientras configura ese nuevo modelo femenino: «la Eva moderna».

Fundación MAPFRE posee la más importante colección que existe sobre Rafael de Penagos, compuesta por más de un centenar de obras, entre dibujos originales y primeras ediciones de sus ilustraciones publicadas. Esta exposición muestra parte de ellas.

Bagaría en el sol. Política y humor en la crisis de la restauración. Colecciones Fundación MAPFRE

Luis Bagaría
El dictador se enfada, 8 de enero de 1925
Colecciones Fundación MAPFRE
© Fernando Maquieira

Bagaría en el sol. Política y humor en la crisis de la restauración. Colecciones Fundación MAPFRE

Fundación MAPFRE Guanarteme

Caricatura política. Humorismo. Reflexión.

Luis Bagaría (Barcelona, 1882 – La Habana, 1940), formado en los ambientes del modernismo catalán, se trasladó en 1912 a Madrid, donde se integró en el proyecto de renovación nacional que auspiciaba José Ortega y Gasset, primero desde la revista España y, a partir de diciembre de 1917, desde las páginas de el diario El Sol.

En una época en la que imperaba la censura, Bagaría consiguió documentar y recrear el deterioro del régimen de la Restauración y el golpe de estado de Primo de Rivera. Con su personal trazo y su gran capacidad de síntesis, Bagaría, con sus caricaturas nos invita a reflexionar sobre un mundo más justo.

En las Colecciones Fundación MAPFRE se incluyen cerca de quinientos dibujos de Bagaría pertenecientes al período 1917-1926. Una selección de ellos, en torno al centenar, se puede ver en Fundación MAPFRE Guanarteme a partir del 12 de septiembre.

Paz Errázuriz

Paz Errázuriz
Mago Karman, Santiago, de la serie El Circo, 1988
Cortesía de la artista

Paz Errázuriz

Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile

Autodidacta, comprometida y poco convencional

Fascinada desde pequeña por la fotografía, es en 1972 cuando Paz Errázuriz (Santiago de Chile, 1944) comienza su formación como fotógrafa autodidacta. A partir de ese momento su fotografía es el resultado de la época de la historia de Chile que le tocó vivir: la caída del Gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende en 1973 y instauración de la dictadura de Augusto Pinochet hasta 1990.

Paz Errázuriz encontró en la fotografía la mejor manera de defender los derechos humanos de los excluidos por el régimen y por la sociedad. Si mirada se dirigió hacia aquellos que por su apariencia o circunstancias integraban una sociedad marginal y encarcelada: enfermos mentales, vagabundos, integrantes de circo, transexuales, prostitutas o indígenas. El blanco y negro y los rostros anónimos de los chilenos inadaptados se convirtieron en una voz de denuncia.

La fotógrafa trabaja en lo difícil, en lo incómodo, sin hacer concesiones al espectador. El resultado de su poco convencional manera de explorar la realidad son las impactantes fotografías que ha realizado durante cuatro décadas.

Peter Hujar. A la velocidad de la vida

Peter Hujar. Boy on Raft, 1978
The Morgan Library & Museum, The Peter Hujar Collection.
Adquirida gracias a The Charina Endowment Fund, 2013. 108:1.97.
© The Peter Hujar Archive, LLC. Cortesía Pace/MacGill Gallery, Nueva York, y Fraenkel Gallery, San Francisco.

Peter Hujar. A la velocidad de la vida

BAMPFTA, Berkeley

Intimidad. Osadía. Encuentro.

Solo puedo expresarme a través de la fotografía”. Estas palabras de Peter Hujar, artista de carácter reservado, definen una trayectoria que es el reflejo de toda una época, desde los años cincuenta hasta su muerte en 1987, que se muestra en esta exposición a través de más de 150 obras.

Peter Hujar nació en Trenton, Nueva Jersey, en 1934 y se crió en el campo hasta que su madre se lo llevó a vivir con ella a Manhattan, cuando tenía 11 años. A partir de este momento su vida y su obra estuvieron íntimamente vinculadas al Downtown de Nueva York, donde realizó retratos de artistas que conocía y respetaba como Andy Warhol o Susan Sontag así como de otros personajes anónimos de la escena neoyorquina.

Para Hujar lo vital era el encuentro con el otro, la relación entre el artista y el retratado que permitiera exponer la naturaleza de quien era capturado por su cámara. Sus retratos reflejan una atmósfera de intimidad con el retratado gracias a su forma de fotografiar, cercana y paciente.

Duane Michals en Turín

Duane Michals, El espejo mágico de la incertidumbre del Dr. Heisenberg, 1998
Secuencia de 6 copias en gelatina de plata con texto manuscrito. Cortesía de DC Moore Gallery, Nueva York © Duane Michals

Duane Michals en Turín

Museo Ettore Fico

Cuando miras mis fotografías, estás observando mis pensamientos”. Estas palabras de DUANE MICHALS nos dan la clave para entender su obra y filosofía de vida.

Michals es uno de los nombres más prestigiosos de la fotografía de vanguardia norteamericana. Nacido en McKeesport, Pennsylvania, en 1932, en la actualidad, a sus 85 años, sigue creando, inventando formas y utilizando nuevos recursos para traducir de la manera más precisa sus sentimientos.

Este original artista afirma que tuvo la suerte de no estudiar nunca fotografía y eso le permitió alejarse de las prácticas habituales autoimpuestas por la fotografía tradicional. En la actualidad es reconocido como uno de los artistas que con mayor intensidad han renovado el lenguaje fotográfico durante las últimas décadas.

Para Michals los límites de la imagen individual son insuficientes para expresar su mundo interior. Para superar estos límites utiliza las series, secuencias a través de las cuales compone relatos, e incluye textos escritos a mano sobre las copias positivadas.

Artista en equilibrio entre la fotografía, la pintura, el teatro y la escrituraMichals busca fotografiar, precisamente, lo que no se puede ver.

Picasso & Miró. The flesh & the spirit

JOAN MIRÓ
[Mujer, pájaro], 1970
Óleo sobre zinc
Colección Particular en depósito temporal
© Successió Miró 2018

Picasso & Miró. The flesh & the spirit

Grandmaster´s Palace, Valetta, Malta

Poner en relación a dos grandes maestros como Picasso y Miró, a través de las obras de nuestras colecciones, como son parte del depósito de Joan Miró que albergamos y la Suite Vollard de Picasso, era un tributo pendiente. La carnalidad de Picasso y el espíritu de Miró se encuentran en esta muestra para permitirnos apreciar como Picasso llega a la renovación del arte, fundamentalmente a través de la línea y el dibujo, mientras que lo más llamativo de Miró es su uso del color y la intensidad con la que lo maneja. Estos son los elementos que más destacan de las obras que hemos elegido de ambos maestros, y del encuentro que hemos suscitado entre ellos.

Esta exposición se enmarca en los eventos de “Picasso- Mediterranée” una de las iniciativas más importantes organizadas en torno a la figura de Picasso, en la que intervienen más de cincuenta instituciones de toda Europa. El motivo de la misma es poner de relieve la relación entre el artista malagueño y el mundo mediterráneo. Organizada gracias a la iniciativa del Musée Nationale Picasso de Paris, el programa explora las creaciones del artista y los lugares que le inspiraron, dando lugar a una experiencia cultural inigualable.

Nicholas Nixon

Bebe, Savignac de Miremont, 2011
Copia en gelatina de plata, contacto
Colecciones Fundación MAPFRE.
© Nicholas Nixon

Nicholas Nixon

Centro andaluz de la fotografía

Delicadeza. Precisión. Alma.

Nicholas Nixon es una figura de referencia sin duda en el marco de la fotografía contemporánea. Su capacidad para mostrar el espíritu de lo que fotografía y una técnica impecable, que además obliga a una cierta lentitud en una época caracterizada por la velocidad le caracterizan y otorgan a sus retratos una impronta inconfundible. Tras presentar en Madrid la primera retrospectiva dedicada a su obra en España, nuestra exposición llega al centro andaluz de la fotografía. El recorrido, formado por más de 200 obras, abarca desde las primeras vistas de ciudades de los años 70, hasta la reconocida serie de Las hermanas Brown. Ancianos, enfermos, la intimidad de las parejas o la familia son algunos de los temas que han cautivado al artista a lo largo de su carrera.

No obstante su gran aportación a la historia de la fotografía es la serie Las hermanas Brown, un work in progress aún en marcha, ineludible, presente en nuestra colección, y que ya se ha convertido en uno de los grandes iconos de la fotografía del S.XX.