Nuestras Exposiciones Viajan

Nuestras Exposiciones Viajan Nuestras Exposiciones Viajan

Nuestras exposiciones de fotografía, dibujo, pintura, o escultura no sólo se pueden disfrutar en las salas de Madrid o Barcelona. Una vez las hemos presentado en España, nuestro deseo es compartirlas y viajar con ellas. ¡Queremos llegar a todo el mundo!

Así llegó la retrospectiva dedicada a Walker Evans a Sao Paulo, Stephen Shore a Berlín, Vanessa Winship a Las Palmas de Gran Canaria, la selección de dibujos de nuestra colección La mano con Lápiz a El salvador y Del Divisionismo al Futurismo al Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, en Italia.   

Una parte de nuestra programación viaja a museos e instituciones culturales en Europa,  Norteamérica y Latinoamérica. Queremos llevar el arte a cualquier punto del globo. Y esperamos llegar cerca de ti.

Paz Errázuriz. Una poética de lo humano Paz Errázuriz. Una poética de lo humano

Paz Errázuriz

Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile

Autodidacta, comprometida y poco convencional

Fascinada desde pequeña por la fotografía, es en 1972 cuando Paz Errázuriz (Santiago de Chile, 1944) comienza su formación como fotógrafa autodidacta. A partir de ese momento su fotografía es el resultado de la época de la historia de Chile que le tocó vivir: la caída del Gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende en 1973 y instauración de la dictadura de Augusto Pinochet hasta 1990.

Paz Errázuriz encontró en la fotografía la mejor manera de defender los derechos humanos de los excluidos por el régimen y por la sociedad. Si mirada se dirigió hacia aquellos que por su apariencia o circunstancias integraban una sociedad marginal y encarcelada: enfermos mentales, vagabundos, integrantes de circo, transexuales, prostitutas o indígenas. El blanco y negro y los rostros anónimos de los chilenos inadaptados se convirtieron en una voz de denuncia.

La fotógrafa trabaja en lo difícil, en lo incómodo, sin hacer concesiones al espectador. El resultado de su poco convencional manera de explorar la realidad son las impactantes fotografías que ha realizado durante cuatro décadas.

Duane Michals Duane Michals

Duane Michals en Turín

Museo Ettore Fico

Cuando miras mis fotografías, estás observando mis pensamientos”. Estas palabras de DUANE MICHALS nos dan la clave para entender su obra y filosofía de vida.

Michals es uno de los nombres más prestigiosos de la fotografía de vanguardia norteamericana. Nacido en McKeesport, Pennsylvania, en 1932, en la actualidad, a sus 85 años, sigue creando, inventando formas y utilizando nuevos recursos para traducir de la manera más precisa sus sentimientos.

Este original artista afirma que tuvo la suerte de no estudiar nunca fotografía y eso le permitió alejarse de las prácticas habituales autoimpuestas por la fotografía tradicional. En la actualidad es reconocido como uno de los artistas que con mayor intensidad han renovado el lenguaje fotográfico durante las últimas décadas.

Para Michals los límites de la imagen individual son insuficientes para expresar su mundo interior. Para superar estos límites utiliza las series, secuencias a través de las cuales compone relatos, e incluye textos escritos a mano sobre las copias positivadas.

Artista en equilibrio entre la fotografía, la pintura, el teatro y la escritura, Michals busca fotografiar, precisamente, lo que no se puede ver.

Picasso & Miró Picasso & Miró

Picasso & Miró. The flesh & the spirit

Grandmaster´s Palace, Valetta, Malta

Poner en relación a dos grandes maestros como Picasso y Miró, a través de las obras de nuestras colecciones, como son parte del depósito de Joan Miró que albergamos y la Suite Vollard de Picasso, era un tributo pendiente. La carnalidad de Picasso y el espíritu de Miró se encuentran en esta muestra para permitirnos apreciar como Picasso llega a la renovación del arte, fundamentalmente a través de la línea y el dibujo, mientras que lo más llamativo de Miró es su uso del color y la intensidad con la que lo maneja. Estos son los elementos que más destacan de las obras que hemos elegido de ambos maestros, y del encuentro que hemos suscitado entre ellos.

Esta exposición se enmarca en los eventos de “Picasso- Mediterranée” una de las iniciativas más importantes organizadas en torno a la figura de Picasso, en la que intervienen más de cincuenta instituciones de toda Europa. El motivo de la misma es poner de relieve la relación entre el artista malagueño y el mundo mediterráneo. Organizada gracias a la iniciativa del Musée Nationale Picasso de Paris, el programa explora las creaciones del artista y los lugares que le inspiraron, dando lugar a una experiencia cultural inigualable.

Nicholas Nixon Nicholas Nixon

Nicholas Nixon

Centro andaluz de la fotografía

Delicadeza. Precisión. Alma.

Nicholas Nixon es una figura de referencia sin duda en el marco de la fotografía contemporánea. Su capacidad para mostrar el espíritu de lo que fotografía y una técnica impecable, que además obliga a una cierta lentitud en una época caracterizada por la velocidad le caracterizan y otorgan a sus retratos una impronta inconfundible. Tras presentar en Madrid la primera retrospectiva dedicada a su obra en España, nuestra exposición llega al centro andaluz de la fotografía. El recorrido, formado por más de 200 obras, abarca desde las primeras vistas de ciudades de los años 70, hasta la reconocida serie de Las hermanas Brown. Ancianos, enfermos, la intimidad de las parejas o la familia son algunos de los temas que han cautivado al artista a lo largo de su carrera.

No obstante su gran aportación a la historia de la fotografía es la serie Las hermanas Brown, un work in progress aún en marcha, ineludible, presente en nuestra colección, y que ya se ha convertido en uno de los grandes iconos de la fotografía del S.XX.

Los libros de fotografía de Fundación MAPFRE Los libros de fotografía de Fundación MAPFRE

Los libros de fotografía de Fundación MAPFRE

Centro Andaluz de la Fotografía

Julia Margaret Cameron, Ed Van der Elsken, Duane Michals, Graciela Iturbide, Peter Hujar, Bruce Davidson, Hiroshi Sugimoto,Paz Errázuriz, Paul Strand o Garry Winogrand, son algunos de los grandes fotógrafos que hemos tratado en nuestra programación de fotografía desde el año 2009.

Cada exposición va acompañada de una publicación que, además de complementar la muestra, se convierte en una referencia bibliográfica sobre la obra del artista. En el ámbito fotográfico, Fundación MAPFRE se ha convertido en una referencia internacional, y todos los libros publicados nos proponen una importante visión del panorama fotográfico actual, con monografías sobre grandes maestros del Siglo XX y figuras consolidadas en la fotografía contemporánea.

El Centro Andaluz de la Fotografía nos ofrece ahora la oportunidad de ver juntas estas ediciones que nos muestran la obra de grandes fotógrafos: desde Brassaï, cuya obra se puede ver en nuestra sala de Barcelona, hasta Anna Malagrida pasando por Walker Evans, Stephen Shore, Cartier Bresson, o Fazal Sheikh entre otros.

Vázquez Díaz en las Colecciones de Fundación MAPFRE Vázquez Díaz en las Colecciones de Fundación MAPFRE

Vázquez Díaz en las Colecciones Fundación MAPFRE

La Laguna-Tenerife:

Fundación MAPFRE Guanarteme

Desde que iniciara su colección, Fundación MAPFRE ha tratado de privilegiar la obra de aquellos artistas fundamentales para desentrañar el proceso de modernización en nuestro país. Una modernidad compleja y ecléctica, donde conviven la tradición y la vanguardia, lo cosmopolita y lo castizo.

Daniel Vázquez Díaz (Nerva, Huelva, 1882 – Madrid, 1969) participa con su obra en esta dialéctica y se convierte, junto con José Gutiérrez Solana (1886 - 1945), en uno de los personajes más representativos de este fecundo y complicado período del arte español. El artista es una de las personalidades más representativas del panorama artístico español de la primera mitad del siglo XX.

Los setenta dibujos que se presentan en esta exposición y que forman parte de la colección de Vázquez Díaz que Fundación MAPFRE posee del artista, muestran una galería iconográfica que dejan al futuro la imagen de una época, ofreciendo al espectador una amplia visión de la España del siglo xx.

Bruce Davidson Bruce Davidson

Bruce Davidson

Sala Rekalde

Bruce Davidson, es uno de los más destacados fotógrafos de la denominada fotografía humanista y miembro de la agencia Magnum. Esta retrospectiva es la más completa realizada hasta ahora en nuestro país. Tras su presentación en Madrid,  y viajar a diferentes ciudades europeas, vuelve a España, a la sala Rekalde.

Bruce Davidson trabaja en series. Sus trabajos son fruto del compromiso, tiempo y convivencia con los sujetos y realidades que fotografía. La muestra recoge, por orden cronológico, las más importantes series dentro de su abundante producción. Cada proyecto trasciende la fotografía documental, cada fotografía tiene valor como parte de esa secuencia vital que el fotógrafo nos descubre.

La fotografía se va a convertir en la forma de aprehender la vida, de vivir de Bruce Davidson. Su visión personal de la realidad va a ser el eje de su obra, y la reiteración, investigación y estudio de temas y de personajes a lo largo del tiempo una de sus características más marcadas. Davidson plantea una perspectiva única de la evolución de la sociedad del SXX, en particular en los Estados Unidos wsencial para entender el mundo de hoy en día.

Peter Hujar Peter Hujar

Peter Hujar. A la velocidad de la vida

The Morgan Library & Museum

Culto. Combativo. Intimista. 

Peter Hujar (Trenton, 1934-Nueva York, 1987) fue ante todo un gran retratista. De su época, sus amigos, del Nueva York que conocía, experimentaba y vivía. Su obra traza el paisaje de una época que se extiende desde los años cincuenta hasta su muerte. A través de más de 150 obras pudimos dar a conocer su obra en España, y ahora vuelve a casa. 

Agente activo de los movimientos contraculturales del momento, plasmó la realidad neoyorquina de los años 1970 y retrató la escena sociocultural underground con su cámara.  Artistas y escritores como Andy Warhol, Susan Sontag o William S. Burroughs se colocaron ante su objetivo, así como muchos personajes anónimos del Downtown de entonces.

Para el fotógrafo anglosajón, lo vital era el encuentro con el otro. La entrega y el descubrimiento, el establecimiento de una relación entre el artista y el retratado que permitiera exponer la naturaleza de quien era capturado por su cámara.   

Duane Michals Duane Michals

Duane Michals

Centro José Guerrero, Granada

Duane Michals (McKeesport, Pennsylvania, 1932) tiene 84 años y sigue creando: haciendo fotografías e inventando técnicas que respondan a su necesidad de expresarse.

El recorrido expositivo de la retrospectiva se distribuye en etapas sucesivas que muestran las diferentes modalidades expresivas inventadas paulatinamente por el fotógrafo, así como las diferentes series realizadas sobre temas concretos a lo largo del tiempo.

En equilibrio entre la fotografía y la poesía, Michals es uno de los nombres más prestigiosos de la vanguardia norteamericana. En los años sesenta plantea una nueva aproximación a la fotografía que no pretende documentar los hechos o la "verdad, sino ocuparse de los aspectos metafísicos de la vida. A través de una obra muy personal y de una originalidad extraordinaria, Duane Michals ha desdibujado las fronteras entre la fotografía y otras disciplinas como la poesía o la pintura, convirtiéndose en uno de los artistas que con mayor intensidad ha renovado el lenguaje fotográfico durante los últimos sesenta años.

Independientemente del medio y del tema que aborde, la personalidad, las preocupaciones y el sentido del humor de Michals desbordan todas sus obras.

Paz Errázuriz. Una poética de lo humano Paz Errázuriz. Una poética de lo humano

Paz Errázuriz

Museo Amparo, Puebla

Humana, cruda, comprometida.

Tras su paso por el Festival de Arles la retrospectiva que dedicamos a la obra de Paz Errázuriz llega al Museo Amparo de Puebla.

Autodidacta, su fotografía nace de la necesidad de explorar esas realidades humanas fuera de lo convencional. Errázuriz decidió vivir con ellos, conocerlos, escucharlos antes de fotografiarlos. De alguna manera ellos también pasaron por su vida y dejaron huella. La llegada de la democracia no hizo que su denuncia cesara: feminista convencida, decidió entonces poner el foco sobre las mujeres trabajadoras chilenas.

Política por naturaleza, trabajadora de lo incómodo y lo difícil, la obra de Paz Errazuriz centra su atención sobre aquello márgenes de la realidad de los que siempre desviamos la mirada. Heredera de las consecuencias de la dictadura de Pinochet, la fotógrafa rompe el silencio establecido con su obra y pone el foco sobre los inadaptados, los que han sido obligados a enmudecer, los desahuciados. Centrando su mirada en ellos nos recuerda la necesidad de protegeré y preservar lo mejor de la naturaleza humana y defender a los frágiles, los débiles, los desvalidos. Vagabundos, ancianos, enfermos mentales y travestis perseguidos son algunos de los protagonistas de esta historia de Chile que construye un relato alternativo al oficial, y que ya sirve para evitar la cómoda desmemoria.

Bruce Davidson Bruce Davidson

Bruce Davidson

Nederlands Fotomuseum, Rotterdam

Humanista, cercano, entregado. Llevamos nuestra retrospectiva de Bruce Davidson a Holanda.

Bruce Davidson trabaja en series. Sus trabajos son fruto del compromiso, tiempo y convivencia con los sujetos y realidades que fotografía. La muestra recoge, por orden cronológico, las más importantes series dentro de su abundante producción. Cada proyecto trasciende la fotografía documental, cada fotografía tiene valor como parte de esa secuencia vital que el fotógrafo nos descubre.

Su obra está caracterizada por una visión personal de la realidad en la que su arte se manifiesta, no tanto en imágenes individuales, sino en el efecto de reiteración, investigación y estudio de temas y de personajes a lo largo del tiempo. Sus obras permiten una perspectiva única de la evolución de la sociedad del SXX, en particular de Estados Unidos.

Tesoros de la colección Fundación MAPFRE. Obra sobre papel Tesoros de la colección Fundación MAPFRE. Obra sobre papel

Tesoros de la colección Fundación MAPFRE. Obra sobre papel

Museo Lasar Segall IBRAM MINC. Brasil

Desde sus inicios, Fundación MAPFRE ha centrado sus esfuerzos en la recuperación de la obra sobre papel de aquellos artistas y movimientos relevantes para apreciar la evolución de los usos del dibujo y la pintura del siglo pasado. La selección que presentamos en Brasil abarca el período desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, precisamente el momento en el que el dibujo todavía vive su doble condición. Si por un lado es un medio creativo para la ejecución final de otras obras, al mismo tiempo muestra ya su independencia, como arte pleno y suficiente en sí mismo. El dibujo deja de ser un mediador, se convierte en obra de arte singular y autónoma a lo largo del siglo XVIII; desde entonces nunca ha dejado de serlo.

El recorrido por la muestra se inicia con dibujos de aquellos artistas que, como Edgar Degas, Auguste Rodin, Egon Schiele o Pablo Picasso, sentarán las bases del arte del nuevo siglo XX que estaba por llegar; pues desde 1900 se produjeron diversas transformaciones y un proceso de renovación que desembocará directamente en lo que hoy conocemos como modernidad.

Todas las obras expuestas forman parte de la Colección de Dibujos del siglo XX, patrimonio de Fundación MAPFRE y expuesta en los últimos años, entre otros, en el Bass Museum of Art de Miami (2008), Museo de Arte de El Salvador (2015), Museo de Bellas Artes de Sevilla (2015) y Musée d'Art moderne de Troyes (Francia, 2017).

Paz Errázuriz. Una poética de lo humano Paz Errázuriz. Una poética de lo humano

Paz Errázuriz. Una poética de lo humano

Arles. Rencontres de la photographie

Delicada, cruda, política.

La fotografía de Paz Errázuriz (Santiago, 1944) es política por naturaleza, ya que apela al contexto político y social de Chile, un país marcado por el golpe de estado de Pinochet y el establecimiento de una dictadura brutal como pocas. El blanco y negro y los rostros anónimos de los chilenos inadaptados se convirtieron en una voz de denuncia en medio del silencio establecido en el país. Enfermos mentales, vagabundos, integrantes del circo, travestis perseguidos son los protagonistas de esta particular historia de un país desde la mirada de Paz Errázuriz.

Autodidacta, su fotografía nace de la necesidad de explorar esas realidades humanas fuera de lo convencional. Errázuriz decidió vivir con ellos, conocerlos, escucharlos antes de fotografiarlos. De alguna manera ellos también pasaron por su vida y dejaron huella. La llegada de la democracia no hizo que su denuncia cesara: feminista convencida, decidió entonces poner el foco sobre las mujeres trabajadoras chilenas. En esta época conoció a Jérawr-Asáwer, una descendiente pura de la etnia fueguina kawésqar con quien mantuvo una intensa relación de la que surgiría la serie Los nómades del mar, en la que plasmó retazos de vida de una población y una cultura indígenas en vías de extinción.

Paz Errázuriz sigue trabajando en lo difícil, lo incómodo. Cuestiona lo establecido, la intensidad centrada en lo aceptable, y obliga a que desviemos la mirada hacia lugares ajenos a la pista central de la realidad expuesta por la mayoría. La exposición retrospectiva que se presenta en Arles recoge 150 obras de la artista desde los años cincuenta hasta nuestros días.

Peter Hujar Peter Hujar

Peter Hujar. A la velocidad de la vida

Fotomuseum La Haya

Directo, íntimo, personal.

La carrera de Peter Hujar está marcada por su evolución personal y sus vivencias más que los hechos que normalmente configuran la carrera de un artista. Esta exposición constituye la narración más detallada hasta la fecha del trabajo del fotógrafo estadounidense. A través de más de 150 fotografías podemos seguir su trabajo desde los años 1950 hasta finales de la década de 1980. Hujar (Trenton, 1934-Nueva York, 1987) inició su carrera en la década de 1950 vinculado a la fotografía comercial. No obstante, pronto decidió abandonar esta vertiente, alejándose de los circuitos comerciales para centrarse en la práctica de la fotografía artística.

El fotógrafo fue un retratista en todo lo que hizo. Lo que movía y motivaba a Hujar era la chispa del encuentro y del intercambio entre el Artista y el/lo Otro, estableciendo una relación directa con el retratado que le permita adentrarse en su verdadera naturaleza.

Estrechamente vinculado a los movimientos contraculturales del momento, capturó fragmentos de la realidad neoyorquina de los años 1970 y retrató la escena sociocultural underground fotografiando a artistas y escritores de renombre como Andy Warhol, Susan Sontag o William S. Burroughs, así como a otros personajes anónimos del Downtown.

Bruce Davidson Bruce Davidson

Bruce Davidson

Westlich in Vienna

Bruce Davidson, uno de los más destacados fotógrafos de la denominada fotografía humanista y miembro de la agencia Magnum comenzó una apasionada relación con la fotografía muy pronto, a los 10 años, cuando su madre le montó un cuarto oscuro en casa y él empezó a fotografiar las calles de su barrio.

Humanista, cercano, entregado. La fotografía se va a convertir en su forma de aprehender la vida, de vivir. Su obra va a estar caracterizada por una visión personal de la realidad en la que su arte se manifiesta, no tanto en imágenes individuales, sino en el efecto de reiteración, investigación y estudio de temas y de personajes a lo largo del tiempo. Este estilo personal unido a su interés por las luchas y los éxitos de las personas a las que fotografía hacen que su obra nos ofrezca una perspectiva única de la evolución de la sociedad del SXX, en particular en los Estados Unidos.

Bruce Davidson trabaja en series. Sus trabajos son fruto del compromiso, tiempo y convivencia con los sujetos y realidades que fotografía. La muestra recoge, por orden cronológico, las más importantes series dentro de su abundante producción. Cada proyecto trasciende la fotografía documental, cada fotografía tiene valor como parte de esa secuencia vital que el fotógrafo nos descubre.

Graciela Iturbide Graciela Iturbide

Graciela Iturbide

Centro de Cultura Antiguo Instituto Jovellanos. Gijón

Para Graciela Iturbide fotografiar es ante todo un pretexto para conocer.

A lo largo de cuatro décadas la fotógrafa ha ido constituyendo una obra absolutamente singular, fundamental para comprender la evolución que ha tenido la fotografía en México y en el resto de América Latina. Célebre por su mirada sobre las culturas autóctonas de su país, que marca su iniciación al mundo de la fotografía, su obra es un proceso de continua exploración vital.

Fundación MAPFRE, consciente de la importancia de su obra, adquirió entre los años 2008 y 2011 la colección más completa que existe de su trabajo: un total de ciento ochenta y seis fotografías, que componen un profundo recorrido transversal por su obra, desde sus primeros proyectos hasta alguno de los más recientes.

La muestra propone un viaje por toda la obra de la artista; sin atender a un estricto orden cronológico, sus proyectos más representativos enlazan y se enraízan con las temáticas que mejor definen su imaginario creativo.

En Iturbide cada imagen nos lleva a recordar lo esencial: la vida, la muerte y el placer. Lo que hace a los humanos, humanos, y al mundo, mundo.

Su trabajo sigue influyendo de manera capital en las generaciones posteriores.

Dessins de la Fondation MAPFRE Dessins de la Fondation MAPFRE

Dessins de la Fondation MAPFRE

Troyes, Musée d’Art Moderne

El dibujo es una de nuestras expresiones más cercanas e íntimas, una idea, un descubrimiento, un método de expresión e introspección de la persona que lo realiza. Entre el dibujante y el papel sobre el que dibuja, existe una relación directa.

Desde sus inicios, Fundación MAPFRE ha centrado sus esfuerzos coleccionistas en  la obra sobre papel para apreciar la evolución de los usos del dibujo del siglo pasado.

Esta vocación coleccionista desde sus inicios en 1997, ha sido difundida – primero como Maestros españoles del siglo XX y ahora con un carácter marcadamente internacional-, en diversos museos de todo el mundo: Fundación Picasso (Málaga, 2001), Museo de Bellas Artes de Cuba (La Habana, 2004), Instituto Cervantes de Nueva York (2004-2005), Museo Nacional de Arte de México (2007), Bass Museum of Art de Miami (2008), Museo de Arte de El Salvador (2015) o Museo de Bellas Artes de Sevilla (2015-2016).

Ahora el museo de Arte Moderno de Troyes acoge la exposición Dessins de la Fondation MAPFRE, en la que se presenta una selección de 13 obras procedentes de la Colección de Dibujos del siglo XX patrimonio de la Fundación.

Datadas entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX, estas obras nos acercan a ese fronterizo momento en el que el dibujo todavía vive su doble condición: si por un lado es un medio creativo para la ejecución final de otras obras, al mismo tiempo muestra ya su independencia, como arte pleno y suficiente en sí mismo.

Rafael de Penagos Rafael de Penagos

Rafael de Penagos. Los años del Charleston. Colecciones Fundación MAFRE

Espacio Cultural MIRA, Pozuelo de Alarcón

Fundación MAPFRE posee la más importante colección que existe sobre Rafael de Penagos, compuesta por más de un centenar de obras, entre dibujos originales y primeras ediciones de sus ilustraciones publicadas. Toda su obra muestra el deslumbramiento del artista por la modernidad.

El cambio experimentado en las expectativas y la mentalidad de la sociedad tras la Gran Guerra cambiarían un mundo que ya no podía sustentarse en los valores y sistemas de antaño.

A finales del siglo XIX, la prensa se consolidó como el gran medio de comunicación de masas. Las revistas, los carteles y las narraciones literarias se convirtieron en el principal vehículo de difusión de la imagen de una pujante clase media convertida en «heroína» de la vida moderna.

Rafael de Penagos, fue, en este contexto, el gran creador de la ilustración Art-Déco en España. Además de sus importantes innovaciones estéticas en el campo de la ilustración gráfica, creó un nuevo tipo de mujer —la llamada «mujer Penagos»—, marcada por la extrema modernidad y sofisticación en su forma de vestir, y en sus modos y maneras de comportarse. Desde las páginas de revistas como La Esfera, Blanco y Negro, Nuevo Mundo o ABC, en los carteles realizados para el Círculo de Bellas Artes y las empresas Floralia o Gal, nos cuenta esos «felices años veinte» mientras configura ese nuevo modelo femenino: «la Eva moderna». La selección realizada para esta muestra establece ese diálogo entre el arte y la vida, entre la imagen representada y su reflejo en la vida cotidiana.

Hiroshi Sugimoto Hiroshi Sugimoto

Hiroshi Sugimoto

FOAM Ámsterdam

Tras su paso por las salas de Fundación MAPFRE en Barcelona y Madrid, Black Box podrá visitarse en el Foam Fotografiemuseum de Ámsterdam.

La muestra propone un recorrido por algunas de las series fotográficas más conocidas de este artista japonés.

La obra de Hiroshi Sugimoto constituye una profunda meditación en torno a la naturaleza de la percepción, la ilusión, la representación, la vida y la muerte.

La exposición se articula en cinco secciones, dedicadas a cinco grandes series del artista: Seascapes [Paisajes marinos] (1980-en curso), Portraits [Retratos] (1994-1999), Theaters [Cines] (1976-en curso), Dioramas (1976-2012) y Lightning Fields [Campos de relámpagos] (2006-en curso). En conjunto, la muestra reúne unas cuarenta obras de gran formato que permiten recorrer los últimos cuarenta años de trabajo del artista y además anticipan próximas aportaciones, ya que algunas de las series presentadas se encuentran en proceso activo de ejecución.

Nacido en Tokio en 1948, Hiroshi Sugimoto se traslada a Estados Unidos en 1970 para estudiar fotografía. Artista multidisciplinar, trabaja con la escultura, la arquitectura, la instalación y la fotografía, campo este último, en el que está considerado como uno de los más importantes autores de la escena internacional. Su obra se encuentra en colecciones como las del Metropolitan Museum y el Museum of Modern Art de Nueva York, el Smithsonian de Washington o la National Gallery y la Tate Gallery de Londres.

Gran intelectual, su obra contiene una elevada carga conceptual que conduce a la reflexión filosófica, y con la que, además, el artista ha logrado reinterpretar algunos de los géneros más característicos de la tradición fotográfica clásica. Además es un maestro artesano, que rechaza la tecnología digital en favor de métodos tradicionales.

Sus imágenes se caracterizan por una gran belleza visual y un elevado virtuosismo técnico, acentuados por el uso habitual de grandes formatos.

Retratos. Colecciones Fundación MAPFRE Retratos. Colecciones Fundación MAPFRE

Retratos. Colecciones Fundación MAPFRE

Museo de arte contemporáneo Esteban Vicente. Segovia

Fundación MAPFRE, en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, expone en Segovia una selección de los fondos de su colección fotográfica en torno al tema del retrato

La muestra recorre casi un siglo de creación (1916-2013) a través de ciento catorce fotografías de dieciocho autores, favoreciendo la vitalidad del conjunto por encima de los logros individuales. Pero, igualmente, el amplio período desplegado late con el aliento y la profundidad de las mejores obras de cada uno de ellos, convirtiendo la exposición en un viaje a la extraordinaria aventura contemporánea que es el retrato, en su inmensa diversidad y complejidad.

La selección, organizada en dos grandes secciones, "Ciudades” y "Artistas y modelos", plantea una visión muy amplia del retrato: desde tomas fugaces de personajes ajenos a la cámara, hasta autorretratos que hablan de la búsqueda del artista sobre sí mismo, pasando por el imprescindible retrato del ausente, intensamente presente en el espacio que ocupó. 

Los artistas presentes en la exposición son: Robert Adams, Diane Arbus, Harry Callahan, Joan Colom, Walker Evans, Lee Friedlander, Alberto García-Alix, Emmet Gowin, John Gutmann, Jitka Hanzlová, Richard Learoyd, Helen Levitt, Anna Malagrida, Fernando Maquieira, Lisette Model, Robert Frank, Paul Strand y Garry Winogrand. 

Graciela Iturbide Graciela Iturbide

Graciela Iturbide

Mindepartementet, Art and Photography. Estocolmo

Por primera vez podrá verse un diálogo entre la fotografía de la mexicana Graciela Iturbide, y el sueco Christer Strömholm. Su amistad nace en los años ochenta entre conversaciones y pensamientos sobre la fotografía, y hoy cristaliza en esta exposición, que organiza Fundación MAPFRE en colaboración con el Mindepartementet, Art and Photography

La muestra se vertebra sobre cincuenta y una obras de Iturbide procedentes del fondo de la artista que posee Fundación MAPFRE. Ambos fotógrafos comparten una obra donde la tradición documental y lo conceptual van de la mano, permitiendo una fluida conversación. Los dos han recibido el Hasselblad Award, el galardón más importante que puede recibir un fotógrafo a su carrera hoy en día, y que concede anualmente la academia sueca del mismo nombre. 

En el año 2009 Fundación MAPFRE adquiere por primera vez obra de Graciela Iturbide, contando en la actualidad con uno de los fondos más importantes existentes de la artista, superando las 180 obras.  Ese mismo año realizamos la retrospectiva más extensa dedicada a la artista en España hasta la actualidad, prestando especial atención a sus últimos trabajos, desconocidos hasta entonces en Europa.  

Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942) es una de las fotógrafas mexicanas más destacadas de la escena contemporánea internacional. A lo largo de más de cuatro décadas ha construido una obra intensa y profundamente singular, fundamental para comprender la evolución que ha tenido la fotografía en México y en el resto de América Latina. En ella se unen la naturaleza y el ser humano, la realidad y el sueño, la vida y la muerte. Su trabajo sigue influyendo de manera capital en las generaciones posteriores.