Exposición co-producida por Fundación MAPFRE y los museos de Orsay y de L’Orangerie, París que reunió cerca de 100 obras procedentes de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas italianas. Se trata de la primera exposición realizada en España en torno a este movimiento, a pesar de la importancia e influencia que tuvieron los macchiaioli en la pintura española de finales del siglo XIX.
La muestra presentó una cuidada selección de fotografías que recorren la historia de España a lo largo de los dos últimos siglos, desde la invención del daguerrotipo hasta la actualidad, relatando los hechos históricos más relevantes de los siglos XIX y XX. La narración se acompañó de pinturas que muestran las coincidencias formales de ambos medios e ilustran la construcción de algunos de los estereotipos de nuestra sociedad.
De forma paralela, la exposición recorrió la evolución del traje femenino a lo largo de este periodo. Una treintena de piezas ponen de manifiesto la sintonía entre la transformación de la silueta femenina y los cambios sociales experimentados.
William Christenberry (Tuscaloosa, Alabama, 1936) ocupa un lugar destacado en la historia reciente de la fotografía americana por su peculiar visión del paisaje tradicional del sur de los Estados Unidos y, sin duda, está considerado uno de los pioneros de la fotografía en color. Pero Christenberry es también un creador versátil que ha utilizado otros medios -pintura, dibujo, escultura o instalación- para fijar la memoria de un paisaje transitado y vivido por él a lo largo de su existencia.
La exposición, coproducida por Fundación MAPFRE y la HAMBURGER KUNSTHALLE de Hamburgo, reúne cerca de 190 piezas, entre esculturas, pinturas, dibujos, grabados y fotografías, procedentes de 32 prestigiosas colecciones internacionales públicas y privadas, entre las que destacan la Kunsthaus Zürich - Alberto Giacometti-Stiftung, la National Gallery de Washington, el MoMa de Nueva York, la Tate de Londres, la National Gallery of Scotland, de Edimburgo, el MNAM Centre Georges Pompidou, de París y la Hamburger Kunsthalle de Hamburgo, entre otros.
Esta muestra, la más amplia retrospectiva de Emmet Gowin realizada hasta la fecha, permitió un acercamiento a las diferentes etapas de su trabajo, a través de las cuales se pudo contemplar la visión del fotógrafo sobre la realidad, desde lo más íntimo hasta lo más universal.
La exposición presentó, a través de 78 grandes obras maestras del Musée d’Orsay, el desarrollo del final del impresionismo y del postimpresionismo. La muestra se inicia con las primeras series de Monet (Los almiares, Los álamos y Las catedrales), y termina con los trabajos decorativos de Vuillard en los Jardines públicos.
Esta muestra no presentó los orígenes de la bohemia artística describiendo su vínculo con la representación de los gitanos en el arte, a través de un centenar de obras maestras de artistas como Goya, Watteau, Gainsborough, Teniers, Corot, Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Sorolla, Sargent, Signac, Van Gogh o Picasso, entre otros.
Esta exposición presentó la obra de Álvarez Bravo desde una perspectiva diferente. Además de las fotografías emblemáticas que han distinguido su trabajo, se incluyeron otras, inéditas y experimentales, provenientes de su archivo: clichés en color y Polaroid, y tomas cinematográficas experimentales de la década de 1960. La selección mostró aspectos poco conocidos de su fotografía que, sin embargo, poseen gran relevancia y actualidad.
