Cultura en movimiento

Analizar, diseccionar una imagen, enfocar los detalles para ver lo que no vemos a simple vista, para descubrir que «lo que parecía una tranquila foto costumbrista resulta ser un ajuste, una resta, que pone en cuestión, si queremos verlo, la misma visión típica y conformista que creímos ver». Javier Codesal nos muestra nuevos senderos de interpretación, orientando nuestra mirada hacia lo que se esconde más allá de lo evidente, «el resto que queda sin resolver», abierto a otros significados posibles.

«La belleza y el dolor de lo inservible. La corneta de un gramófono asentada en un pedestal de museo con placa informativa de número y serie, y expuesta como obra de arte. Una parte sin el todo, desprovista de diafragma, de manivela, de plato giratorio, de aguja, de cilindro. Un bello objeto inútil y doloroso como dolorosos e inútiles son los intentos de rescatar una comunicación extinguida». Así comienza este texto de Sònia Moll para acercarnos a la poética que contiene la obra de Carrie Mae Weems.

«La escultura contemporánea echa a andar cuando Julio González desaloja de sí un nuevo idioma para el arte. Un trabajo que empieza en el papel, en el dibujo, hasta desintegrarse en la atmósfera con la voluntad decisiva de hacer asombro de lo imprevisto, de la línea seca forma nueva, de la acumulación un desafío al que nadie se había atrevido antes fuera de la artesanía», escribe Antonio Lucas en este texto sobre una de las obras más significativas del artista: El beso I, «un beso de perfecta aleación entre los amantes», de «vacío transformado en ceremonia».

«Un pintor siempre viene y regresa a la pintura, como un escritor a la literatura y un cineasta al cine» escribe Fernando R. Lafuente al referirse a la obra Pintor con paleta y caballete de Pablo Picasso. A su juicio «Picasso conoce la tradición; solo innova el que domina lo anterior». En esa simultaneidad cubista el artista atrapa tres dimensiones en una: el pintor, la herramienta de trabajo y el asiento de la creación. «Siempre se regresa a la tradición, aunque el secreto de tal regreso permanezca enmascarado en un alarde de innovación».

Una fotografía aparentemente amable y serena que encierra otras lecturas en el uso metafórico, irónico y comprometido que Carrie Mae Wems hace de su atmósfera creativa. Jordi Puntí interpreta esta fotografía de la autora desde la mirada inquisitiva de la protagonista de la imagen: «Toda la obra de Carrie Mae Weems —fotos, vídeos, performances— gira en torno a la identidad y la violencia sufrida por la comunidad afroamericana en Estados Unidos, por lo que nunca caduca. Su lucha se renueva por el empeño del racismo latente».

Muchas fotógrafas de comienzos del siglo XX utilizaron el autorretrato fotográfico como «un ejercicio que era a la vez vanguardia y autoafirmación». A juicio de María Santoyo, en El autorretrato con Leica, Ilse Bing, «juega a ser su doble, a ser otra tal vez. Es una mujer simultánea. Son dos mujeres. Es una mujer con su cámara. En realidad, es el autorretrato de una cámara». Un juego de espejos y de miradas en el que «nada es lo que parece».

La mujer en el jardín, de Pablo Picasso, como encrucijada, un cruce de caminos en los que confluyen Pablo Picasso y Julio González; encuentro que genera una explosión creativa y un nuevo lenguaje en las artes. María Sheila Cremaschi se pregunta por la identidad de esa mujer que «revolucionó la escultura del siglo XX». Y en las confluencias creativas de esta «mujer enigmática y triste» encuentra «puro arte, pero también literatura».

Emmanuelle Sougez nombró a Ilse Bing «la reina de la Leica», esa cámara de la que no se separó en toda su vida. «Esta cámara de formato pequeño –nos cuenta Tate Diez– le permitió adaptarse tanto a su carrera de fotoperiodista como a la singularidad de las nuevas vanguardias, […]. Tampoco dejó de lado sus preocupaciones sobre los contextos sociales y son numerosas sus imágenes de los barrios más pobres del París de los años treinta». En sus autorretratos nos hace también tomar conciencia de su existencia como fotógrafa, como la de tantas otras artistas de comienzos del siglo XX que empiezan a rescatar ahora el lugar que les corresponde en la historia del arte.

Ante la imagen de Isidre Nonell, Dos gitanas (1906), Margarita Hernando de Larramendi evoca al pintor comprometido con los desheredados de la fortuna, el que lejos ya de sus comienzos parisinos, se vuelca en mostrar el sufrimiento del ser humano: «El autor no trata de lucirse, de ennoblecer la vida del espectador con una imagen bella, ni de adornar sus paredes o procurarle placer. No se dirige a un posible cliente, a un comprador; pinta para reflejar la existencia de estas mujeres, para ennoblecerlas, para reivindicar la dignidad de su conversación».